miércoles, 29 de octubre de 2014

Hércules

Nueva versión del primer súper héroe de la historia. Una revisión “realista” del mito que al desmitificar al semi-dios, encumbra la figura del héroe.



Ahora que está tan de moda el género de súper héroes, tiene sentido que los estudios de Hollywood se hayan planteado rescatar al que sin duda es el primer súper héroe de la historia. La leyenda de Hércules, el semi-dios hijo de Zeus y una mortal *, ha fascinado a los aficionados a la mitología clásica, así como a la literatura fantástica y de aventuras desde tiempos de los griegos.

Versión basada en la saga de comics de Steve Moore Hercules: The Thracian Wars (Radical Comics, 2009), que mostraba una faceta más realista del héroe, donde se desmitificaban sus hazañas y se dejaba entrever que la figura se había construido sobre hechos reales, narrados de una forma fantasiosa, para así alimentar el mito de lo que en realidad era un grupo de mercenarios con extraordinarias habilidades humanas, pero sin poderes sobrehumanos.

De hecho se cree que el mito original está basado en el regente de Tiryns (Argos), un hombre cuyas hazañas en vida lo convirtieron en leyenda después de muerto, lo que llevó a “deificarlo” unos 38 años después de su muerte (sobre el año 1226 BC)

La adaptación al cine por el equipo de guionistas Ryan Condal y Evan Spiliotopoulus (dos guionistas de la industria, acostumbrados a trabajar en proyectos “para todos los públicos” desde producciones Disney para DVD, hasta TV Movies) sirve más para asegurar que hasta el espectador más corto siga la trama –que tampoco es tan compleja- que para asegurar que el tono original del comic se traslade fielmente a la pantalla.

Brett Ratner, director curtido en todo tipo de producciones -desde la saga de Rush Hour, hasta episodios de Prison Break, pasando por videoclips de Madonna y películas tan dispares como Red Dragon (2002), X-Men: Last Stand (2006) o Movie 43 (2013)- consigue dar al filme un ritmo y acción sin pausa, además de recrearse en conseguir un resultado visual espectacular. Sin llegar a ser tan estética como 300 (Zack Snyder, 2006) ni tan sangrienta como Juego de Tronos, tampoco se puede decir que sea una película de Disney, precisamente.

Dwayne Johnson está magnifico mientras se mantiene en el registro de acción y en los guiños de humor por los que se ha hecho tan popular, aunque necesita ayuda del director y de artificios de la edición para otros registros de mayor profundidad. Afortunadamente se aleja en muy pocas ocasiones de su territorio conocido, lo cual resulta de agradecer.

Por otro lado, las carencias interpretativas que pueda tener el protagonista son más que compensadas por un reparto de lujo, con compañeros como John Hurt, Ian McShane o Rufus Sewell. Caso aparte es el del –normalmente excelente- Joseph Fiennes, que en esta ocasión se ve abocado a dar cuerpo a un personaje caricaturesco con más vergüenza que éxito.

Destacable debut cinematográfico de Irina Shayk en el papel de Megara. Esta modelo Rusa -más conocida por ser la novia de Cristiano Ronaldo, por su participación en la edición de 2011 del famoso Fascículo de bañadores de la revista Sports Illustrated (la versión americana de los calendarios de Pirelli), y que fuera votada la mujer más sexy del mundo por los lectores de la revista DT en su edición española, también en 2011- consigue robarle el protagonismo a la que debería ser “la chica” del filme, Rebecca Ferguson, e incluso aparece en los posters de la película, a pesar de tener un papel muy pequeño –si bien pivotal- como la mujer de Hercules.

En definitiva hablamos de una película de acción y aventura, con toques de cine fantástico, muy entretenida y en ocasiones trepidante, aunque tal vez demasiado violenta para los más peques. Eso si, los que ya hayan visto 300 no tendrán problema con las escenas más duras…

* Aclarar que “Hércules”, que es el nombre del héroe en la mitología romana, era en realidad hijo de Jupiter. Heracles sería su nombre correcto en la mitología griega…

Pos original de Septiembre de 2014, publicado en ociozine.com

viernes, 5 de septiembre de 2014

Guardianes de la Galaxia


Nuevo filme de Súper héroes que nos trae la Factoría Marvel en colaboración con la distribuidora Disney, y que podría convertirse en la sorpresa del verano.


Guardianes de la Galaxia podría inaugurar una nueva etapa en el exitoso género de Súper Héroes: El cine de súper héroes del espacio. Una combinación entre acción, humor y ciencia-ficción con tintes de cine fantástico, que en el caso de Los Guardianes de la Galaxia parece dar con la justa combinación de todos los elementos para acabar con una película perfecta para toda la familia.

Para empezar, tenemos al pirata espacial más encantador desde Han Solo, interpretado por un Chris Pratt (Her – Spike Jonze, 2013; Moneyball - Bennet Miller, 2011) que podría haber encontrado en Peter Quill, el rol que finalmente lo catapulte al estrellato. Pratt encarna al perfecto anti-héroe: Un ladrón profesional del espacio, que finalmente se crece ante la adversidad para acabar demostrando ser mucho más de lo que aparenta… Al tiempo que demuestra sus dotes para el cine de acción y comedia, mientras luce cuerpazo de gimnasio de los de portada de Mens Health.

Y hablando de lucir palmito, tenemos a una –siempre espectacular- Zoe Saldana (Avatar- James Cameron, 2009), que tras interpretar a la teniente Uhura en la nueva franquicia de Star Trek, se convierte oficialmente en el sueño erótico de todos los asistentes a Comic Con al interpretar a Gamora, una asesina de color verde…

Como hemos comentado, esta es una película del espacio, así que no es de extrañar que veamos a actores conocidos como Michael Rooker (Máximo Riesgo- Renny Harlin, 1993), Lee Pace (El Hobbit – Peter Jackson, 2013) o Benicio del Toro (Traffic- Steven Soderbergh, 2000) interpretando a alienígenas con caracterizaciones que los hacen casi irreconocibles.

Los que si están irreconocibles por completo son Bradley Cooper (El lado bueno de las cosas – David O. Russel, 2012) y Vin Diesel (Fast & Furious - Varios), quienes tan sólo interpretan las voces (en la versión original) de Rocket -un ser mutante que es básicamente un mapache parlante- y su colega Groot -un árbol antropomórfico que habla. Los demás actores contaban con un doble de cuerpo vestido de azul, como única referencia durante el rodaje, que más tarde fue sustituido por la animación digital que da vida a los personajes que vemos en la pantalla.

Decimos que Groot habla, aunque sólo es capaz de decir tres palabras: “I am Groot” (Yo soy Groot), con las que debe expresar todo tipo de conceptos y emociones. Sin duda un reto para un Vin Diesel que en esta ocasión no tuvo que lucir cachas.

El que si luce cachas -y de qué manera!- es el último miembro del quinteto de heróicos anti-héroes: Dave Batista, un ex luchador de lucha libre americana, que en este caso también interpreta al alienígena verde Drax.

Otro pequeño cameo, aunque sólo sea reconocible en su versión original es la aparición de Josh Brolin en el papel de Thanos. Completan el reparto otros dos actores excelentes: Glenn Close y John C. Reilly, que en este caso demuestran que también saben pasárselo bien, dando un toque de clase y humor a sus roles, aunque en su caso no les tocase transformarse a través del maquillaje ni de la magia digital.

La película está basada en los personajes creados en 1969 por Arnold Drake y Gene Colan, y aparecieron en distintos títulos de la editorial Marvel hasta que tuvieron su propia serie a principios de los 90. Los personajes que aparecen en la película, sin embargo, son los que crearon Dan Abbnet y Andy Lanning cuando en 2008 Marvel re-lanzó la saga.

El guionista y director James Gunn (Movie 43, 2013) se enfrenta al cada vez más común reto de llevar un comic a la pantalla, si bien en el caso de Guardianes de la Galaxia, no es uno de los títulos más conocidos en nuestro país hasta la fecha.

Sin duda que esto cambiará a partir de este verano, porque es seguro que la película despertará el interés de los nuevos fans en conocer más acerca de este grupo de héroes, y por descontado que habrá más entregas de esta nueva franquicia que incluso podría tener algún cruce con Los Vengadores o con Los Inhumanos.

Post original publicado en Agosto de 2014 en ociozine.com

Los Mercenarios 3

Tercera entrega de la franquicia creada por Sylvester Stallone con la idea de incluir a todos los héroes de acción de los años 80 hasta la actualidad.

Vuelven el propio Stallone, quien retoma el papel de Barney Ross, el líder del grupo de mercenarios de alquiler junto con su fiel camarada Lee Christmas –interpretado por Jason Sthatam- los que siguen acompañando la mayoría de actores que participaron en las anteriores entregas: Arnold Schwarzenegger, Dolf Lundgren, Randy Couture, Terry Crews, Jet Li… En definitiva, vuelven casi todos que no resultaron muertos en las anteriores entregas (como fue el caso de Eric Roberts o Jean Claude Van Damme), aunque en el caso de Bruce Willis el rumor es que su ausencia en el filme se debe a diferencias entre lo que el actor quería cobrar por cuatro días de rodaje y lo que los productores estaban dispuestos a pagarle. A cambio lo sustituye Harrison Ford, quien interpreta al nuevo enlace de la CIA, Drummer, quien bromea que “a Church (el personaje de Willis) ya no lo verán más…” .

A este elenco de héroes de acción se incorpora nuestro compatriota Antonio Banderas, quien interpreta a un ex legionario apodado Galgo por su velocidad. El personaje de Banderas según el propio Stallone, lo desarrolló el propio actor malagueño en un 90%, dado que el actor y guionista americano confiaba plenamente en sus dotes de actor. Habiendo coincidido con él en Asesinos (Michael Bain, 1995), a Banderas le avala su trayectoria como héroe de acción en filmes como Desperado (Robert Rodriguez, 1995), La Máscara del Zorro (Martin Campbell 1998), o El Guerrero Número 13 (John McTiernan, 1999) entre otras muchas.

El nuevo villano de la película no es otro que Mel Gibson, quien interpreta a Stonebanks, un viejo camarada de Stallone, y cofundador del grupo de Mercenarios (The Expendables), reconvertido ahora en traficante de armas.

Otra incorporación destacable es la de Wesley Snipes, que interpreta a otro viejo camarada de Barney (Stallone), quien lo libera de una cárcel de -lo que parece ser- una dictadura militar tercermundista, al principio de la película. Cuando le preguntan por qué estaba preso dice en broma “Por evasión fiscal”. La broma tiene aristas, porque este es el primer papel que Wesley Snipes interpreta tras permanecer tres años en la cárcel de su propio país por… evasión fiscal!

La historia tiene mucho parecido con la realidad, pues Snipes fue la primera opción para el rol de Hale Caesar en la primera entrega, pero se vió obligado a descartarlo porque sus problemas legales le impedían salir del país en 2010 para poder rodar la primera entrega.

Por otra parte, el caso de Kelsey Grammar (siempre recordado por su papel de Frasier), es bastante peculiar. Si bien la mayoría de los actores de acción acaban derivando hacia la comedia, en su caso el proceso ha sido inverso: Tras consagrarse como actor de comedia, en sus últimos trabajos como en la saga de X Men, o en la nueva entrega de Transformes, tiende cada vez más hacia el género de acción.

La mayor novedad de esta entrega de Los Mercenarios es que –tal vez por la buena acogida de Liam Hemsworth en la anterior- en esta ocasión se incorporan al filme cinco actores jóvenes a los que Stallone da la alternativa tanto en la ficción como en la realidad.

Un equipo de “novatos” encabezado por Kellan Lutz, a quien ya vimos en la saga de Crepúsculo –interpretando a Emmet Cullen- y que tras protagonizar Hercules: La Leyenda (Renny Harlin, 2014) recibe su alternativa a recluta del Olimpo de los héroes de acción con su papel de Smilee, uno de jóvenes valores reclutados para su nuevo equipo de Mercenarios por Barney, quien piensa que debe renovar al equipo tras un fiasco con su equipo de veteranos… Además de Lutz se unen al equipo el actor Glen Powell (el caballero oscuro – Christopher Nolan, 2012), el ex-boxeador Victor Ortiz (famoso en EEUU por su aparición en Dancing with the Stars, la versión americana de “Mira Quien Baila”) y una chica de armas tomar: Ronda Rousey, campeona olímpica y mundial de judo, quien tras pasar por la alta competición en artes marciales y la lucha extrema femenina, hace su debut cinematográfico en Los Mercenarios 3.

No es de extrañar que los nuevos reclutas sean deportistas de élite, no olvidemos que antes de debutar como némesis de Stallone en Rocky IV (Sylvester Stallone, 1985) Dolf Lundgren ha sido un karateka que ha competido a nivel internacional, Randy Couture ha sido 5 veces campeón de lucha extrema, Terry Crews fue el jugador de la NFL (Liga de Futbol americano) antes de debutar en el cine de la mano de Schwarzenegger, quien a su vez se inició en el cine tras ser Mr. Universo por 5 años y Mr. Olympia por 7 años consecutivos. Por su parte, el propio Sthatam fue seleccionado nacional de salto de trampolín, llegando a competir a nivel mundial, Por no hablar de Jet Li, quien fue varias veces campeón nacional chino de Artes marciales.

El guión, al igual que en las anteriores ediciones, está basado en una idea original de Sylvester Stallone, que a su vez vuelve a contar con el apoyo de Dave Callaham tal y como hiciera en las dos anteriores entregas, y con dos nuevos colaboradores, los debutantes: Creighton Rothemberg y Katrin Benedict.

Dirigida por el relativamente novato Patrick Hughes, que en su segundo largometraje se enfrenta al reto de dirigir a un elenco sólo superado en número por los productores, y un equipo de producción y efectos visuales que haría enloquecer a cualquiera.

Los Mercenarios 3 es una de esas películas que hará las delicias de todos los aficionados al cine de acción, especialmente aquellos que crecimos viendo las películas de todos estos “abuelos” del género.


Post original publicado en Agosto de 2014 en ociozine.com

Transformers: La era de la extinción

Cuarta entrega de la saga basada en unos populares juguetes de los 80, que tras convertirse en una serie de dibujos animados, y más tarde una colección de comics de Marvel, finalmente saltaron a la gran pantalla en 2007.

Transformers: La Era de la Extincion es la cuarta entrega de la saga Transformers, y también la cuarta dirigida por Michael Bay (Dolor y Dinero, 2013, La Isla, 2005). El director vuelve a colaborar con la estrella de su último trabajo, Mark Wahlberg, quien sustituye a Shia LaBeouf en el papel protagonista.

El cambio tiene mucho sentido, pues mientras que LaBeouf nació a la par que los Transformers, Wahlberg pertenece a la generación que creció viendo la serie de animación de Japan's Toei Animation studio en “los dibujos animados de los sábados por la mañana”, y leyendo la serie de comics de Marvel del mismo nombre. Ambos formatos salieron prácticamente de forma simultanea al lanzamiento de la colección de juguetes, en una de las campañas mejor orquestadas y de mayor éxito de la historia.

Hasta los años 80 lo normal era que series de TV de éxito propiciaran el lanzamiento de juguetes de todo tipo, pero en la década de los 80 se empezó a dar el fenómeno inverso con series de dibujos basadas en video juegos como Pacman, QBert… Aunque de todas las series de la época, ninguna caló tan profundamente en el subconsciente de la cultura popular como Transformers.

Vemos buenos ejemplos de su influencia en la escena de la reunión de Marketing de Big (Penny Marshall, 1988), en la que Tom Hanks destroza la presentación de John Heard de lo que sería un “Transformer/Edificio”, o más recientemente de la mano de Kevin Smith, uno de los mayores “frikis” de la cultura Pop americana, en Clerks II (Kevin Smith, 2006) en la que dos de los protagonistas comentan acerca de los rumores de una película de Transformers (que de hecho se estrenaría el año siguiente).


Cuando en 1984 los creativos de Hasbro lanzaron su nueva línea de juguetes -basada en la original de la juguetera japonesa Takara Tomy- unos robots que se convertían en coches, animales prehistóricos, etc… Los rebautizó como Transformers y los lanzó con el slogan “More than meets the eye” (traducido libremente como “más de lo que parece”). Pero la nueva entrega de Transformers: La Era de La Extinción, es precisamente lo que parece: Una película de acción y de ciencia ficción con mucho ritmo, espectaculares efectos especiales… y una trama que no resiste una lectura rigurosa, ni siquiera dentro del género de aventura y ciencia ficción.

Pero si somos capaces de abstraernos de la pobreza del argumento, a cambio contamos con un reparto de gran talento que consigue dar credibilidad a unos roles que en otras manos resultarían maniqueos en el mejor de los casos.

Además de un Wahlberg que se desenvuelve cómodamente en la comedia y la acción, tenemos a un siempre estupendo Kelsey Grammer (Más cercano a su registro de La Bestia de los X-Men, que del refinado y blandengue Frasier que le dio a conocer), a un Stanley Tucci, que logra dar encanto a un personaje que resultaría caricaturesco en manos de un actor menor, y además tenemos a dos nuevos rostros de los que seguramente veremos mucho más en el futuro: Nicola Pelts, conocida por la serie Bates Motel, y un jovencísimo Jack Reynor al que veremos pronto haciendo de Malcolm en el Macbeth de Justin Kurtzel junto a Michael Fassbender y Marion Cotillard.

El guión de Ehren Kruger -conocido por adaptar The Ring (Gore Verbinski, 2002) para el cine americano, y quien ya se hizo cargo de dos entregas anteriores de la saga- no es mucho más que una excusa para las espectaculares peleas entre los robots, aunque conectará con la generación de Wahlberg, cuyo personaje se verá envuelto en una dinámica de “Buddy Movie” -de esos que tanto gustan a Michael Bay- con… el novio de su hija! Cosa que sin duda parece romperle los esquemas mucho más que el hecho de verse involucrado en una guerra intergaláctica con robots que se transforman en coches…

Post original publicado en Agosto 2014 en ociozine.com

Los Mercenarios 3: Rueda de Prensa

Rueda de prensa de Los Mercenarios 3 con Sylvester Stallone, Antonio Banderas, Jason Sthatam, Wesley Snipes, Kellan Lutz y el productor Avi Lerner, quienes acudieron a Marbella para presentar la película.

Reconozco que no soy periodista. Tengo muchos amigos periodistas, e incluso trabajé en informativos durante años… pero esta es otra historia…

El caso es que aunque colaboro habitualmente con ociozine.com como critico de cine y cronista de conciertos desde hace casi 3 años, esta ha sido mi primera rueda de prensa como “plumilla”. La casualidad quiso que estando de vacaciones con la familia, la presentación en España de la tercera entrega de Los Mercenarios (The Expendables) no fuese en Madrid, Barcelona o San Sebastián, como suele ser el caso, sino que se organizara en una antigua cantera de Marbella que se ha rebautizado como el Starlite, donde se dan cita cada verano artistas que van desde Kool & The Gang y Tom Jones, a Dani Martin y Alejandro Sanz -por nombrar algunos- dentro del llamado Starlite Festival.

En este idílico enclave, en la agradable noche marbellí, bajo las estrellas y el cobijo de la imponente montaña mermada durante décadas de servir de cantera, se estrenaría por la noche el nuevo filme que reúne a la cada vez más larga lista de actores que suponen el quien-es-quien del cine de acción de las últimas décadas. Por la noche todo será glamour, sin duda…

A la hora en la que se nos cita para la Rueda de prensa, sin embargo, el calor resulta insoportable. Unos 80-100 periodistas y reporteros gráficos debemos hacer cola pacientemente para poder acceder desde el parking VIP del recinto, hasta el lugar elegido para el encuentro con los actores, al pie de la enorme pantalla que servirá para la proyección de esta noche. La organización ha provisto una carpa para dar sombra mientras se cuidan de repartir agua para evitar las bajas por síncopes, y un reportero de “Todo Va Bien” ameniza la espera con sus acrobacias, chistes y preguntas, aprovechando el tiempo para rodar su entradilla, y unas cuantas de reserva…

Me acompaña una fotógrafa afincada en Nueva York, que ha trabajado en lugares tan dispares como Nueva York, Camboya o La Haya, y quien casualmente se encuentra también de vacaciones en Marbella. Como la conozco hace muchos años le pido que me acompañe. Como además es mi hermana consigo que no me cobre su tarifa habitual.

Tras la subida y la espera –los actores siempre llegan con un elegante retraso (fashionably late que dicen en EEUU)- en la que toca luchar por un sitio en la grada de reporteros gráficos, el momento esperado: Llegan las estrellas!


Entre bambalinas, un delgado y estupendo Antonio Banderas saluda efusivo a Jason Sthatam bajo la sonriente mirada de un Sylvester Stallone en un estado de forma espectacular para sus 68 años. Tras los afables saludos salen a la palestra los cinco actores que acuden a la cita: Los ya mencionados Banderas, Stallone y Sthatam, además de un Wesley Snipes que retorna al cine tras un paréntesis forzoso -el actor ha pasado tres años en la carcel por evasión fiscal-, y un joven Kellan Lutz quien, tras su paso por la saga de Crepúsculo -en la que interpretaba a Emmet Cullen- recibe la alternativa granjeada con su papel en Hércules, el origen de la leyenda, en busca de una oportunidad a ser aspirante a recluta del Olimpo de los dioses del género de acción...


Muchos periodistas españoles, claro está, aunque no faltan algunos corresponsales ingleses o rusos. Nos piden que no hagamos preguntas personales, sino de la película, pero es grande la tentación de preguntar a Snipes acerca del guiño en la que los mercenarios, con Stallone a la cabeza le sacan de la cárcel, y le preguntan por que estaba preso... "Por evasión fiscal" responde su personaje con evidente sorna.


La primera pregunta es sencilla: “¿Les gustaría rodar una película en Marbella?”

Stallone, cómodo en su papel de portavoz y líder del grupo responde que claro que le gustaría hacer una película en Marbella porque tiene un ambiente maravilloso y además hace calor. “Cada vez que hacemos una película es en un lugar frío y en invierno”, Bromea. “Es mi primera vez aquí, estoy aquí por respeto a Antonio. La comida es maravillosa, las mujeres son hermosas, brilla el sol y es un lugar genial.”

Preguntado por el guiño a la legión de su personaje, que canta “El Novio de la Muerte” en una escena, Antonio Banderas comenta que no sabía si ese momento había llegado a la pantalla porque aún no ha visto la película.

“Cuando me llama Sly (Stallone) la propuesta era que por favor me leyese el guión, pero que me sintiera libre de añadir las cosas que se me vayan ocurriendo al personaje. Me encontré con un caldo de cultivo para volver a hacer acción, pero también para volver a hacer comedia.”

Respecto a su personaje, el malagueño que jugaba en casa, y era el más solicitado junto con Stallone, dice que es un personaje muy solitario y que la forma que tiene de autodefensa es el humor. “Le invente una historia pasada que le afectó. Por mi acento estaba justificadísimo que fuera español y que hubiese pertenecido a algún cuerpo de elite del ejército español antes de meterse en el mundo de los mercenarios y de quedarse sólo.”

Al preguntarle acerca de lo duro que resulta hacer una película de acción, Stallone responde a un periodista: “Llámame cuando tengas 65 años y me cuentas como te sientes... A lo mejor así te das cuenta de lo que supone. Yo le digo a la gente: Ahora sólo tienes 45, pero cuando tengas 68 pensaras ‘Dios! Stallone era increíble!’ “

España es uno de los “cuatro o cinco” territorios que visitarán en esta gira publicitaria, antes del estreno oficial de la película en el Teatro Chino de Los Angeles. “Deberíais pedirle a vuestros jefes que os envíen.” Bromea Stallone “Trabajáis duramente y os lo merecéis. Será el 11 de agosto.” (lo comentaré con la directora de Ociozine, a ver si hay prespuesto para un enviado especial)

“Hemos viajado a los territorios más importantes” Dice Stallone, “y hemos venido aquí (a Marbella) porque nunca antes habíamos venido.”

“Antonio está tan bien en la película que le odiamos.” Continua Stallone, “Le queremos, pero tal vez no deberíamos haberlo incluido en la película porque nos deja mal a los demás...”

Una periodista con acento británico les pide a todos los actores que comenten cuál ha sido su escena favorita. El primero en responder es también el integrante más joven del panel, Kellan Lutz: “Mi escena favorita fue el primer día que estuvimos todos juntos en el set, rodando la escena del helicóptero. Ver a todos estos tíos, lo ‘guay’ que son fuera de cámara. Soy un gran fan de todas sus franquicias. Trabajar con todos ellos, y poder compartir con ellos fuera de cámara, ha sido un sueño para mi.”

Stallone: “Sí, pero también debes haber estado muy emocionado de pegar un salto de 100 pies en la moto... “

Lutz: “Sí, ha sido divertido hacer escenas de acción en esta película. Mi personaje es un especialista en motos, y yo quería hacer las escenas más peligrosas, pero sólo me dejaban llegar hasta cierta altura por un tema de seguros. Intenté ir hasta el límite...”

Stallone: “…y Jason decidió aprender a respirar bajo el agua en esta película, verdad?”

Jason Sthatam: “¿Queréis que lo cuente?”

Stallone: “Si, cuéntales lo del accidente de camión. Seguro que les encanta oírlo.”

Sthatam: “No sé quién fue el responsable, pero tengo que mirar en cierta dirección“, dice mirando jocosamente a Stallone, “porque acababa de quejarme de ciertas frases que Sly había escrito y que yo no quería decir… y 5 minutos después me encontraba en el fondo del mar negro.” Concluye riendo.

Stallone le responde continuando la broma “Me pidieron que trabajara en el camión, porque soy un buen mecánico.. Corte algunos cables y cuando quise darme cuenta, Jason estaba a 60 pies de profundidad... No se… no soy tan buen mecánico...” concluye riendo de buena gana.

Si bien ahora bromean, al parecer Sthatam estuvo a punto de morir cuando ensayaba una escena durante el rodaje. Los frenos del camión que conducía fallaron, y el camión se precipitó al fondo del Mar Negro. Afortunadamente le habían quitado las puertas al camión, y Statham pudo ponerse a salvo gracias a que es un experimentado nadador.

Banderas interviene a continuación: “Mi escena favorita? Bueno, yo he improvisado mucho en esta película y los volví locos. Les metía unos “speeches” imposibles de parar. Me ponía a hablar de forma absolutamente compulsiva. Lo que más me gustó fue el momento que tuve con Sly en el que mi personaje se calma un poco y confiesa lo que lleva dentro este hombre. Es una escena que tenemos en un bosque, rodada en Bulgaria, y que es mi escena favorita personal.”

A lo que Stallone responde “Pero al final el español siempre se lleva a la chica.” Dice riendo “Si, lo hiciste… Luna!”

Wesley Snipes participa por primera vez para continuar con las bromas: “Mi escena favorita es mi escena de amor con Antonio... No, eso es en otra película” dice riendo con todos los demás. Luego se pone serio y añade “Me gustan todas las escenas, pero especialmente la escena del avión, sobre todo las cosas que Antonio estaba haciendo en el avión... Me lo pase muy bien con eso... “

Stallone: “A mi me gusta cuando te afeitas. Cualquiera que se afeite con un machete de tres pies de largo es un hombre de verdad... Muy duro!”

Snipes: “En realidad soy muy delicado...”

A continuación interviene también Avi Lerner, uno de los productores de la película, que ha acompañado a los actores en la gira promocional. “A mi me gustan todas las escenas, pero especialmente cuando se juntan todos otra vez.”

Stallone: “Eso no está en la película... “

Lerner: “Hablo de Los Mercenarios 4.” Dice en broma aprovechando para dejar caer que habrá una cuarta entrega de la saga.

Avi Lerner se ve cómodo con el resto de miembros del panel, conoce bien a los actores pues además de producir las dos primeras entregas de Los Mercenarios, ha colaborado con ellos en filmes como Rambo, Hercules: El inicio de la Leyenda, Imparable… y un largo etcétera hasta completar más de 280 filmes. La mayoría de acción.

Un periodista latino se pone sentimental y comenta “Solía ver sus películas cuando era un chaval, ahora tengo 40 y llevo a mi hijo a verlas como mi padre me llevaba a mi... “ A lo que Stallone responde: “No necesitábamos saber esto...”

“¿Juntar a tantas estrellas del género de acción en una película es una estratégia de marketing?” continua el periodista, abreviando el preámbulo para no seguir metiendo la pata…

Stallone vuelve a ser quien responde. “Si es marketing, porque las películas son tan caras… En los viejos tiempos, yo iba a ver a un productor como Avi (Lerner) y le decía ‘Quiero interpretar a Rocky’ o Antonio les decía ‘Quiero hacer de el Zorro’... O Jason iba con una idea, o Kellan... Alguna idea loca como estas… y el productor nos decía: ‘Está bien, voy a jugármela. A lo mejor no tiene sentido desde el punto de vista de la rentabilidad, pero voy a hacer caso de mi instinto...’ “

“Eso ya no pasa. Ahora es un negocio, y tienes que hacer una película con la que crees que no vas a perder 100 millones de dólares... Tu harías lo mismo. Esta es la mayor apuesta del mundo. Imagina que vas a un casino y tienes cien millones de dólares y sólo puedes tirar los dados una vez. Y si pierdes, antes de darte cuenta vives en una tienda de campaña, te estás comiendo a tu perro, tienes que meter a tus hijos en un orfanato… Es un negocio muy duro!”

Lerner: “Eres tan optimista!”

A continuación Miguel Martin de Todo Va Bien toma el micro y el protagonismo para su segmento estelar en el programa.

Miguel Martin: “Ya que sois unos tipos tan duros… ¿Cual es la última película con la que habéis llorado?”

Stallone: “Usualmente una en la que soy el protagonista. Lloro porque es muy mala y pienso ‘Dios mío, cómo he podido hacer esta película?’. Normalmente es autocompasión. Lloro en las películas de Antonio porque es tan mono y majo… Lloro en las de Wesley porque me da miedo. Jason es un gran poeta, pero no le gusta mostrarlo. Y Kellan, con sólo mirarlo te dan ganas de llorar de lo guapo que es… Kellan es uno de estos nuevos actores que lo tiene todo. Es muy físico, con mucha experiencia, y nos sentimos muy orgullosos de contar con él en la película… Y me encanta que se haya cambiado el peinado hoy. Es fantástico, Kellan!”

Banderas: “Yo he llorado con muchas películas en mi vida… la última fue “Ocho Apellidos Vascos”. “ Dice irónicamente ”Me hinché de llorar.“

Martín: “Si los mercenarios se hiciesen en España quien podría encarnar los personajes? Tu serías Sylvester Stallone, no?”

Banderas: “Yo sería Silvester? Y me pondrías con Javier Bardém, quizás? Santiago Segura… “

Stallone: “Cuidado, te está dando ideas, pero luego te va a demandar…”

Finalmente Martín se declara fan de “Yo, el Halcón” en la que Stallone interpreta a un tipo que se dedica a competiciones de… pulsos! y le pregunta: “¿Haría un pulso conmigo?”

A lo que Sly responde medio en serio: “Si quieres que te de una paliza, claro!“

El reto resulta ser un pulso chino (de pulgares) que por supuesto gana Stallone, mandando a Martín a su casa…

(Los fans del programa podéis ver el reportaje entero : aquí )

Tras el segmento humorístico, Stallone vuelve a ponerse serio para explicar cómo consigue convencer a tantos actores famosos para participar en las entregas de la saga. “Siempre que juntas a 15 o 16 hombres, puedes estar seguro de que va a surgir la competitividad, es así. Todos los hombres lo sabemos, está en nuestra naturaleza, es lo que somos… La clave para conseguir convencer a estos tíos es que tienen que tener algo interesante que hacer. Es así, no?” dice mirando al resto. “Jason, Kellan… no trabajan si no tienen algo interesante que interpretar.”

“A Antonio le di un personaje que estaba desarrollado en un 10%” continua “porque sé que es tan listo que sencillamente le dije ‘Haz de ti mismo. Imagina que eres un mercenario, utiliza tu personalidad, e invéntate un personaje’, y así lo hizo. Con Wesley, fue lo mismo. Si le das un marco a los actores, ellos saben lo que deben hacer. No puedo imponer mi personalidad, no es esa clase de película, tienes que dejar a estos tíos que sean quienes son. Nadie aquí ha tenido que hacer nada con lo que no se sintiera cómodo, que no sintiesen natural. Estáis de acuerdo?” pregunta recibiendo un incómodo silencio por respuesta tras el cual Kellan finalmente responde tímidamente “De acuerdo…”

“Gracias por estar de acuerdo…” dice Stallone fingiendo sentirse aliviado, y recibiendo las risas del auditorio y del panel en respuesta.

Los actores deben irse ya, nos anuncian, con lo que se pide una última pregunta.

El último periodista en preguntar pide que sean dos, alegando que son muy buenas: Primero le pregunta a Stallone por un remake de “No Habrá Paz para los malvados” de Enrique Urbizo. “Escuché que estaba interesado en hacer una nueva versión.”

Stallone: “Si, me encanta esa película. Me reuní con el director del filme original porque me gustaría poder trabajar con él. Es un director español que ha ganado el equivalente al Oscar en España. Si, eso está en proceso. Él está acabando otro proyecto, y está reescribiendo el guión para hacerlo más grande y mejor, así que tengo muchas ganas de empezar.”

El periodista hace una última pregunta para todos “¿De todos los héroes que habéis interpretado, quien podría ser un gran villano si se pasara al lado oscuro?”

Una vez más, el único en responder es Stallone, que no parece haber entendido la pregunta –o el traductor no se la ha traducido bien- “Todos ellos (refiriéndose a los actores) tienen un lado oscuro. Todos ellos podrían ser un villano. Yo ya lo hice una vez. Ya he sido enemigo suyo y suyo (refiriéndose a Banderas y Snipes) ya nos hemos matado mutuamente. Jason y Kellan desde luego que tienen su lado oscuro. El tipo con el que realmente tienes que tener cuidado es alguien como Kelsey Grammer. Es al que nunca verás venir. Ninguno quiere interpretar al malo, porque no quieren que los maten y perderse la cuarta entrega. Pero creo que el tío del pelo blanco (Avi Lerner) es el más malévolo que he conocido en mi vida… El debería interpretar al villano.”

Así acabó mi primera rueda de prensa como “plumilla”. Me quedé sin hacer la pregunta que hubiese dirigido a Wesley Snipes: “En la escena que abre la película haces una broma acerca de tu reciente paso por la cárcel por evasión fiscal. ¿Es demasiado pronto para bromear, o ya puedes reírte de ello?”. Supongo que no era tan buena pregunta, pero como he dicho ya, no soy periodista.

Post original publicado en Agosto de 2014 en ociozine.com

domingo, 10 de agosto de 2014

Yo Frankenstein

Filme basado en la novela gráfica de Kevin Grevioux, creador de la saga Underworld, a partir de la novela de Mary Shelley.

Frankenstein, la novela gótica de Mary Shelley que narraba la historia de un científico obsesionado con devolver la vida a los muertos, ha sido siempre considerada una revisión del mito de Prometeo, quien robó la llama sagrada de los dioses, y por ello fue castigado a un tormento eterno, haciendo de la propia inmortalidad su castigo.

En su novela gráfica, Grevioux introduce a la criatura del Dr. Frankenstein en una guerra milenaria entre el bien y el mal: Entre los demonios que amenazan a la humanidad y las gárgolas que la protegen.

En la película, el personaje de “la criatura”, interpretado por un desaprovechado Aaron Eckhart, es un ser atormentado por su propia inmortalidad, y por el hecho de que su creador consiguió revivir su cuerpo, pero no restaurar su alma.

Lo irónico del asunto es que a la propia película le ocurre lo mismo: Carece de alma. Yo Frankenstein es un ejercicio de narrativa muy cercano al comic. Las imágenes se suceden con una voz en off, sin que el espectador pueda llegar a empatizar o siquiera identificarse con ninguno de los personajes. El protagonista, si se puede hablar de un protagonista, está ausente en la mitad de la película. Es un personaje sin objetivo ni misión alguna. Más bien busca que le dejen fuera de toda la historia.

El director, Stuart Beattie, –quien además firma el guión, junto con el mencionado Grevioux- es un guionista de larga carrera y buena reputación en filmes de acción, con títulos en su haber tales como Piratas del Caribe (Gore Verbisnsky, 2003), Colateral (Michael Mann, 2004) o Fuera de Control (Mikael Hafstrom, 2005). Sin embargo carece de historial como director, siendo este su segundo trabajo detrás de las cámaras, tras su discreta Mañana, Cuando la Guerra Empiece de 2010.

Al margen de los agujeros en una trama -que parece más la introducción de un videojuego que una historia llevar al cine- la dirección es el punto más flojo de una película a la que le falta desarrollar un poco más los personajes, permitir que los diálogos respiren, dejar que los actores den pistas de sus deseos y temores….

En su lugar tenemos una excelente dirección de arte, unas escenas de acción plagadas de efectos especiales y diseñadas para una efectista versión en 3D, y unos personajes maniqueos interpretados por unos actores que probablemente han pasado más tiempo en la sala de maquillaje que preparando sus roles.

El usualmente excelente Eckhart no tiene “chicha” a la que hincarle el diente y lo mejor que se puede decir de este rol es que está guapo aun haciendo de monstruo… Un maniqueo Bill Nighy –inolvidable en su papel de estrella de rock en declive de Love Actually (Richard Curtis, 2003)- que a falta de nuevas instrucciones se limita a repetir su papel de malo-malísimo de Underworld; una habitualmente talentosa Miranda Otto (La guerra de los Mundos, El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey) que defiende como puede un papel bi-dimensional; o una siempre bella Yvonne Strahovki (Dexter) que al menos consigue transmitir su encanto natural.
El propio Grevioux interpreta a un demonio, si bien no era el rol que originalmente había escrito para si mismo (el actor/guionista suele incluir en sus contratos de venta de guiones una cláusula para reservarse un papel en el filme…). Desgraciadamente también suele escribir sus guiones con la posibilidad abierta de secuelas, y en este caso podríamos ver una segunda parte… Al tiempo!

Filme recomendado para aquellos a los que les haya gustado la saga Underworld o Hansel Y Gretel, así como a los aficionados a videojuegos de batallas demoniacas, para que vayan familiarizándose con los personajes del próximo juego que sin duda acabarán comprándose.

Post original publicado en Junio de 2014 en www.ociozine.com

X-Men: Días del Futuro Pasado

X-Men: Días del Futuro Pasado es a la Saga de los X-Men y Lobezno lo que Los Vengadores es a las películas de Hulk, Iron Man, Capitán América y Thor. La nueva súper-producción reúne a héroes del presente y del pasado en una película épica en la que los héroes se juegan su futuro y el de toda la humanidad.

La nueva entrega de la saga se sitúa en un futuro cercano, en el año 2023, desde donde Lobezno viaja al pasado - concretamente a 1973- para intentar corregir el devenir de los acontecimientos que en dicho pasado desencadenaron un apocalíptico presente (futuro para nosotros). ¿Suena complicado? Así se las gastaba Chris Claremont, guionista de los comics de los X-Men entre 1975 y 1991, quien fuera responsable de una de las épocas doradas del cómic y que marcaría para siempre la narrativa de la serie.

El cómic en el que se basa la película corresponde a Uncanny X-Men 141 y 142 de Enero y Febrero de 1981 (Chris Claremont y John Byrne). Como ocurre con todas las películas de los X-Men, y gran parte de las películas basadas en personajes de comics, las historias originales suelen variar respecto a los personajes que en ellas participan, o incluso en los hechos concretos.

En el comic original es Kitty Pride la que viaja al pasado. En este caso es ella quien ayuda a Lobezno a viajar, transfiriendo su consciencia desde su presente (2023) a su cuerpo de 1973 para que pueda contactar con Xavier y con Magneto y les convenza de que colaboren en cambiar el futuro/presente. Gracias a este cambio de viajero podemos ver más del cuerpazo de Hugh Jackman de lo que hayamos visto en las anteriores entregas… Que no es decir poco!

Por las líneas temporales, esta película es una secuela de X-Men: Primera Generación (Matthew Vaughn, 2011) en la línea temporal de 1973, y los hechos futuros ocurren con posterioridad a X-Men: La decisión Final (Brett Ratner, 2006) si bien hay un salto temporal en el que se producen eventos no explicados –como la “resurrección” de Charles Xavier a quien vimos morir al final de Decisión Final.

En Dias del Futuro pasado nos reencontramos con los personajes –y en la mayoría de los casos con los mismos actores- que ya hemos visto en X-Men (Bryan Singer, 2000), X-Men 2 (Bryan Singer, 2003) así como los spin-offs X-Men Origenes: Lobezno (Gavin Hood, 2009) y Lobezno Inmortal (The Wolverine- James Mangold, 2013).

Así pues, en la cinta coexisten Ian McKellen y Michael Fassbender en el papel del Magneto de 2023 y el de 1973 respectivamente, al igual que Patrick Stewart y James McAvoy comparten el rol del profesor Xavier en ambas líneas temporales. En cambio Hugh Jackman interpreta a Lobezno en ambos casos, dado que su personaje prácticamente no envejece merced a su factor curativo mutante.

También podemos ver a algunos actores de Primera Generación como Jennifer Lawrence (Mística) o Nicholas Hoult (Bestia) y otros de la saga X-Men original como Halle Berry (Tormenta), Anna Paquin (Pícara), Ellen Page (Gata Sombra), Shawn Ashmore (Hombre de Hielo) o Daniel Cudmore (Coloso)… si bien en algunos casos su participación es casi un cameo.

La película cuenta también con nuevas incorporaciones. La más destacable la de Peter Dinklage -Tyrion Lannister en Juego de Tronos- que interpreta a Bolivar Trask, creador de los Centinelas, o Evan Peters –conocido por la serie American Horror Story- quien interpreta a Mercurio en la saga X-Men, y quien curiosamente coincidió en Kick-Ass (Matthew Vaughn, 20120) con el otro Mercurio – Aaron Taylor-Johnson, quien intérprete del personaje en la nueva entrega de Los Vengadores.

Bryan Singer vuelve a dirigir a los X-Men 11 años después, tras dirigir algunos títulos menos exitosos como Superman Returns (2006) o Jack Mata-Gigantes (2013). El director, sin embargo, había permanecido ligado a la saga como productor de X-Men: Primera Generación y X-Men Origenes: Lobezno.

El guión es de Simon Kinberg, que también ha firmado guiones para X-Men: La decisión Final, Sr. Y Sra. Smith (Doug Liman, 2007) o Sherlock Holmes (Guy Ritchie, 2009), basado en la adaptación de historia original de Claremont a cargo de de Jane Goldman -autora también de guiones para Kick-Ass (Matthew Vaughn, 2010) y X-Men: Primera Generación.

Todos estos elementos, así como un presupuesto muy bien aprovechado en efectos especiales, hacen de Dias del Futuro pasado la que probablemente sea la película más espectacular de todas las de X-Men y Lobezno hasta la fecha. Además de ser una película con más “chicha” y mensaje de lo que en un principio se podría pensar.

Como en toda buena ciencia ficción, la historia no se limita a entretener, sino que pretende contarnos algo acerca de la condición humana y de la sociedad: La metáfora de los mutantes siempre ha sido el racismo, los prejuicios y la intolerancia.

A diferencia de otros grupos de súper héroes que son admirados e idolatrados, los mutantes son temidos y perseguidos por su mera condición de mutantes. Los mutantes ocultan su condición. Se esconden. Las familias reaccionan en muchos casos como si fuera algo de lo que avergonzarse. Podemos encontrar analogías con otros grupos estigmatizados como los homosexuales que en ocasiones son repudiados por sus propias familias, y juzgados por la sociedad (cada vez menos, afortunadamente).

Stan Lee creó a los X-Men y el concepto de mutantes del universo Marvel en 1963. En estos años en EEUU se estaba produciendo un cambio social que acabaría por modificar leyes de segregación de unos ciudadanos con respecto a otros por temas raciales.

En los años 80 la saga de Claremont de Genosha -nación ficticia de Africa en la que los Mutantes eran ciudadanos de segunda clase oprimidos y explotados por el estado- era una analogía nada sutil al Apartheid de Sudáfrica.

No es casual que Magneto, el mayor enemigo de los X-Men, y finalmente el aliado más poderoso de Xavier y sus alumnos, fuera un judío superviviente del Holocausto Nazi. Su enfoque es el de conquistar, derrotar y oprimir a los humanos –no mutantes- antes que permitir que ellos acaben con su raza mutante. Otra –nada sutil- metáfora de cómo el estado de Israel ha acabado convirtiéndose en opresor de sus ciudadanos no judíos, como reacción a su pasado de pueblo oprimido.

Desde este prisma, no es nada casual el hecho de que este filme nos resulte familiar. Es una versión Marvel de Regreso al Futuro (Robert Zemeckis, 1985), aunque en este caso Marty McFly no viaja al pasado para arreglar su vida o la de su familia. Ni siquiera la de su ciudad. Se trata de evitar el fin de la humanidad y el apocalipsis provocado por el hombre, cambiando las cosas en el pasado… ¿Ficción? Esperemos que si, porque me temo que nosotros tal vez no tengamos un Delorean ni una amiga mutante que nos ayude a cambiar el pasado si queremos evitar el apocalipsis…

Post original publicado en Junio de 2014 en www.ociozine.com

Malefica

¿Creías que conocías el cuento de La Bella Durmiente? Disney nos presenta una nueva versión en la que vemos el cuento a través del personaje de Maléfica.

Todos hemos crecido con las versiones de Disney de los cuentos clásicos, y La Bella Durmiente (Clyde Geronimi, 1959) no es una excepción, dicha cinta se basaba en la versión de los Hermanos Grimm, pero el cuento original de Gianbattista Basile es menos idílica: El príncipe se casa con la Bella Durmiente tras despertarla de su encantamiento tienen hijos y llega a ser el rey, pero su madre –que es un poco ogra- intenta comérsela a ella y a sus propios nietos… Para que luego os quejéis de suegra!

Esta versión a cargo de Linda Wolverton, guionista habitual de la factoría Disney, explora la infancia y adolescencia de la “mala” del cuento, Maléfica, mostrándonos los motivos y razones por las que una joven hada se convierte en una hechicera malvada…

La historia de Wolverton, y la magnífica interpretación de Angelina Jolie, nos muestran la pérdida de inocencia y caída en desgracia de una mujer traicionada… Su pérdida de fe en la vida y en la felicidad, y finalmente su descubrimiento de que el amor verdadero existe, aunque no era lo que ella esperaba…

Angelina está misteriosamente bella, conservando su encanto incluso cuando deberíamos odiarla o temerla. Nadie más podría haberle dado al personaje esa mezcla de atractivo, oscuridad, crueldad y… humor!

Visualmente la película es una delicia, un mundo de fantasía habitado por hadas y seres mágicos que supone el debut como director de Robert Stromberg, responsable de efectos visuales para películas como La Vida de Pi (Ang Lee, 2012), Los Juegos del Hambre(Gary Ross, 2012), Piratas del Caribe(Gore Verbinsky, 2007), o El Labrinto del Fauno (Guillermo del Toro, 2006), por nombrar algunas… Hay alguna escena que a lo mejor da un poco de miedo a los más pequeños, pero ¡no deja de ser una película de Disney!

Especialmente recomendada para vayan a verla mujeres fuertes e independientes con sus hijas… o bien hombres seguros de si mismos que quieran que sus hijas lleguen a ser mujeres fuertes e independientes.

Post original publicaso en Mayo de 2014 en www.ociozine.com

martes, 3 de junio de 2014

Godzilla 2014

Nueva superproducción americana de un clásico de culto de la Serie B Japonesa.

Desde que en 1954 Ishiro Honda dirigiese la primera película protagonizada por el daikaiju más célebre, Godzilla ha sido el rey de los monstruos de Serie B: Protagonista de numerosas películas, series de TV, Comics y videojuegos…

El origen nuclear y la devastadora fuerza de destrucción del monstruo es una metáfora de los ataques que sufrió Japón al final de la Segunda Guerra Mundial. De hecho el aspecto original del monstruo, cuya piel se asemeja a las cicatrices y quemaduras que sufrieron las víctimas y supervivientes de Hiroshima y Nagasaki, era también una metáfora de las crueles secuelas que sufrieron dichas víctimas. Dicho aspecto se ve recuperado en esta nueva versión del popular monstruo, que se asemeja al original de los años 50, a diferencia de la anterior superproducción norteamericana (Godzilla -Roland Emmerich, 1998) en la que el monstruo tenía una fisonomía más cercana a los dinosaurios de Parque Jurásico.

Hay que aclarar que esta nueva versión no es un remake de la película homónima protagonizada hace 16 años por Matthew Broderick y Jean Reno. El personaje central es el mismo, y –por supuesto- el monstruo acaba sembrando el caos en EEUU (no podía ser de otra forma, todos los monstruos y alienígenas acaban en los USA… ¿dónde iban a estar mejor?), pero ahí se acaban las similitudes.

Por supuesto, la nueva versión es mucho más espectacular, dados los avances en efectos especiales y animación por ordenador de los últimos lústros. Ni que decir cabe que hay una versión en 3D, que desde luego resulta aun más impresionante… sobre todo si te sientas en la primera fila como hice yo.

Además, cabe destacar que el director Gareth Edwards, es un técnico experto en efectos visuales, declarado fan de George Lucas, Stephen Spielberg y… ¡Quentin Tarantino! Con lo que cabe esperar acción, efectos especiales y buenos diálogos. Aunque la mayoría de sus trabajos como director han sido para TV, en 2010 escribió, dirigió y produjo el que hasta ahora era su único largometraje, Monsters (2010), por el que recibió numerosos premios y nominaciones.

Pero quien piense que Godzilla sólo tiene acción y efectos especiales, no está teniendo en cuenta un excelente reparto encabezado por Bryan Cranston (Breaking Bad). El actor está en estado de gracia desde que encarnara a Walter White, y tras ser un intérprete de pequeña pantalla durante casi toda su carrera, sus contadas incursiones en cine se han multiplicado a partir de su carismática interpretación del profesor-traficante.

También cabe destacar a Aaron Taylor-Johnson a quien pudimos conocer en la muy friki y nunca lo bastante valorada Kick-Ass (Matthew Vaughn, 2010) y al que veremos encarnando a Pietro Maximoff en la próxima entrega de Los Vengadores (Avengers: Age of Ultron- Joss Whedon, 2015)… de hecho ya hemos visto un avance en la escena final de Capitan América:Soldado de Invierno (Anthony y Joe Russo, 2014*), aunque curiosamente no interpreta al mismo personaje en la nueva película de los X Men: Days of Future past (Bryan Singer, 2014). En esta ocasión el otrora escuálido actor que interpretaba al adolescente deseoso de convertirse –sin demasiado éxito- en un súper héroe, se ha convertido en un fornido soldado americano al que parece perseguir la mala suerte en forma de monstruos.

Elisabeth Olsen, hermana pequeña de las gemelas Olsen, interpreta a la mujer del personaje de Taylor-Johnson. Curiosamente también coincide con el actor en Avengers: Age of Ultron, interpretando a Wanda Maximoff… O sea que pasarán de ser marido y mujer a ser hermanos… Afortunadamente, ambos son excelentes actores y seguramente sabrán adaptar su interpretación para evitar cualquier connotación incestuosa… De hecho la pequeña de las Olsen es el descubrimiento de esta cinta. No es de extrañar, pues a pesar de su corta carrera, ya había recibido excelentes críticas por Martha Marcy May Marlene (Sean Durkin, 2011), película por la que fue nominada a 13 premios de interpretación… ¡Aunque al final no se llevara ninguno!

Completan el reparto de protagonistas una siempre magnífica Juliette Binoche (El Paciente Inglés- Anthony Mingella, 1996 ; Camille Claudel- Bruno Dumont, 2013) y el siempre comedido Ken Watanabe (Origen- Christopher Nolan, 2010)

Finalmente, actores aparte, el protagonista es el caos y la destrucción que provocan Godzilla y los monstruos con los que lucha para dejar Las Vegas y San Francisco tan arrasadas como en su día habrán quedado Hiroshima y Nagasaki… Justicia poética, aunque sólo sea en la ficción, que el monstruo que EEUU desató en 1945, vuelva a casa para dales un poco de su propia medicina.


*La escena en cuestión fue dirigida por Joss Whedon, si bien la película es de los hermanos Russo

Post original de Mayo 2014 en www.ociozine.com

The Machine

The Machine es un thriller de ciencia ficción que explora las implicaciones metafísicas y existenciales de la inteligencia artificial desde un punto de vista que nos remite a Blade Runner.

También la dirección de Caradog W. James nos remite a la del joven Riddley Scott, con un uso del sonido y la luz –y sobre todo de los silencios y claro-oscuros- que está a medio camino entre la mencionada Blade Runner y un capítulo de la maravillosa serie británica Black Ice. También destaca la banda sonora a cargo de Tom Raybould, que nos recuerda a ratos a un Vangelis modernizado.

Con esto no pretendemos decir que The Machine sea una copia ni un remake de Blade Runner. Mas bien es una revisión del tema ya tratado en la obra de Isaac Asimov, Arthur C. Clark o Philip K. Dick entre otros, acerca de la posibilidad de que una inteligencia artificial tenga consciencia y… ¡alma!

El guión también corre a cargo del propio James, quien tras una corta carrera como director -tres cortometrajes, el largo Little White Lies (2005) y un episodio de la serie de TV It’s My Shout- se ha lanzado a escribir, dirigir y producir The Machine, su proyecto de mayor éxito hasta la fecha.

Respecto a los actores, a la protagonista Caity Lotz ya la pudimos ver en The Pact (Nicholas McCarthy, 2012) y más recientemente en la serie de TV Arrow. Mientras que Toby Stephens es un actor conocido por filmes como Space Cowboys (Clint Eastwood, 2000), Die Another Day (Lee Tamahori, 2002) y más recientemente ha protagonizado la serie Vexed y la nueva serie Black Sails.

Sus interpretaciones resultan tan comedidas como el tono general de la película, si bien ambos protagonistas consiguen meternos de lleno en lo que en definitiva es el gran tema de la película: ¿Es posible que una inteligencia artificial tenga sentimientos y consciencia? ¿Es posible la vida artificial?

Finalmente, The Machine no está exenta de crítica política. Si la inteligencia artificial está viva. ¿Pueden considerarse propiedad privada? ¿Se puede obligar a una forma de vida artificial a matar con objetivos militares? Todos estos elementos, además de los elegantes efectos especiales, y una cierta dosis de acción es lo que puede esperar el aficionado que acuda a ver esta pequeña joya del cine europeo independiente de ciencia ficción.

Si bien el filme es de 2013, ha tardado en tener una distribución comercial adecuada por su condición de obra independiente. Aun así, su recorrido por festivales, le ha valido numerosos premios y nominaciones: 3 Bafta de País de Gales, 2 premios en el Festival After Dark de cine fantástico de Toronto o el premio del jurado en el Festival de Cine Independiente de UK, además de nominaciones a Caity Lotz como artista revelación y una nominación a mejor película europea en el festival de Sitges. Todo ello ha contribuido a que finalmente se estrene a nivel internacional, así como en nuestro país.

Post original de Mayo de 2014 en www.ociozine.com

Concierto de Rafa Martín. Sala Arena (Madrid) 10/05/14

Asistimos en la sala Arena al concierto de Rafa Martín en el que se grabó el material para su próximo trabajo: Un DVD en directo con lo mejor de sus tres discos de estudio.



Hace poco entrevistábamos al artista madrileño en la víspera del concierto (puedes leer la entrevista aquí) y nos hablaba de lo importante que para él es el directo. En primer lugar, como forma de dar vida a las canciones y de mejorarlas en vivo, contando siempre para ello con excelentes músicos a lo largo de toda su carrera; y en segundo lugar, como forma de acercarse a su público, de contactar con los miles de personas que vienen siguiéndolo fielmente desde hace casi 20 años.

Este concierto, y el DVD que se editará a partir del mismo, son una forma de poder llegar hasta todos los fans y de capturar una noche de comunión mágica entre Rafa, sus canciones, sus músicos y su público.

El concierto empezó con puntualidad británica. Las restricciones horarias de la sala hacían imprescindible empezar a tiempo para evitar que ninguno de los temas programados quedasen fuera del DVD. *

Un video que mostraba imágenes de grupos, series de TV y demás memorabilia representativa de 1994, año en el que Rafa Martín grabó su álbum debut en solitario “Corazón de Hierro” (Sony Music, 1995). Mientras el video se convertía en un Logo de RM (Rafa Martín), Rafa y su banda se lanzaban sin mediar palabra a interpretar “Rock sin Destilar” para seguir con “El Odio y el Amor”… Ambos temas de su primer disco, descatalogado por Sony y ahora reeditado por la independiente Boss Music.

Tras saludar escuetamente y agradecer a los asistentes por acompañarle esa noche tan especial, la banda pasó a tocar “Cada Paso una señal”, un tema de su último trabajo “El rastro que otros seguirán” (Boss Music, 2013)

Una nueva visita al pasado con “Seguir corriendo”, también de su álbum debut, dio paso a uno de los mejores temas de su nuevo trabajo: “Te he encontrado al final”. Una enorme balada que en esta ocasión dedicó a todos los que habían ayudado a acabar el disco mediante una iniciativa de crowd-funding que surgió de los propios fans.

Para “Rompo el silencio”, incluido en su segundo disco solista “Cuando Llegue a Volar” (Gran Via Musical, 2000 – ahora también editado por Boss Music), Rafa invitó al primero de sus ilustres amigos: Ricardo Marín, guitarrista habitual de Antonio Vega, Manolo García o Raimundo Amador, entre otros…

Tras “Cuando llegue a Volar”, el único otro tema de su segundo CD que se incluyó en el repertorio y precisamente el que daba título al mismo, Rafa y los suyos volvieron a al repertorio de su primer trabajo con una muy rockera versión de “Barro para moldear”.

Antes de acometer el que sin duda es el mayor éxito del madrileño, “Todo el amor que te puedo dar”, Rafa pidió a los asistentes que graben la canción en video, pues –como ya había explicado previamente en su Facebook- quiere hacer un video con el material de los fans como bonus en el DVD... Sin duda una buena metáfora del apoyo que el artista recibe de sus fans.

Para “Tiempos Perros”, segundo tema de la noche extraído de su último trabajo, Rafa volvió a contar con una invitada, en este caso Gaby de Val (Gabrielle De Val Koezen), cantante del grupo "The Val".

Volviendo al repertorio de su álbum debut, Rafa presentó “Jamás Olvidaré” aprovechando para agradecer a los fans que se habían desplazado desde localidades como Barcelona, Murcia, Marbella o Galicia... por nombrar sólo algunas. Incluso gente que vino desde México o Argentina! Resulta evidente que el cantante tiene una relación muy especial con sus fans, muchos de los cuales han llegado a ser amigos a lo largo de los años.

Una versión casi punk de “Sueños de Rock´n´roll”, de su último trabajo, dio paso a “El camino que he de andar”, también del mismo álbum. Si en el disco lo acompaña la cantante Patricia Tapia, esta noche fue Pau Álvarez, uno de los colaboradores que más ha trabajado con Rafa a lo largo de los años, quien esta noche ejerció de cantante invitado en vez de tomar su puesto habitual de teclista de la banda, que a cambio esta noche ocupaba el productor Pablo Navarro, habitual colaborador de Rafa, quien también hizo las veces de director de la banda.

Cabe destacar que Pau originalmente no estaba disponible para el concierto, razón por la cual fue sustituido en su puesto habitual, pero al verse liberado a última hora, no quiso perderse la oportunidad de estar presente, aunque fuese como invitado en una canción.

El público aplaudió la aparición del viejo conocido, Pau, para luego vitorear los característico riff de intro de “Un lugar cerca del sol”, también de su álbum debut, con la característica guitarra de Pablo Padilla, otro ilustre músico habitual en la banda de Rafa Martín.

Y es que Rafa es un rockero sin concesiones, tal vez por eso cuenta con el respeto y la amistad de artistas de la talla de Tony Hernando, guitarrista de "Saratoga", quien lo acompañó en “Un futuro mejor”, un tema cercano al Heavy para mayor lucimiento de las guitarras…

Tras este momento de subidón, Rafa aprovechó para presentar a la banda, los ya mencionados Pablo Navarro y Pablo Padilla, además de un enorme (literal y figuradamente) Paco Bastante al bajo, y Ezequiel Navas a la batería. Todos ellos amigos y colaboradores habituales del de Algete.

Además la banda le tenía preparada una sorpresa al cantante, porque en la pantalla aparecieron Manuel Bagües, bajista habitual del grupo, y Pete Lesperance de Harem Scarem, amigo y colaborador habitual de Rafa. Ambos se perdieron el concierto por compromisos previos (en el caso de Lesperance, su propia boda al día siguiente en Canadá) pero quisieron hacerse presentes igualmente….

La banda acabó el set con “Hay Tormenta” un medio tiempo que crece en directo, para hacer el consabido amago de irse, dando al publico la oportunidad de calentar voz con unos “Oe, oe, oe” de cara al final de concierto.

Sin hacerse rogar mucho, los músicos volvieron al escenario con “Antes de disparar”, otro de los temazos del nuevo disco, para lanzarse después con “Corazón de Hierro”, el tema que daba título a su álbum debut, CD que claramente sigue siendo su mayor éxito hasta la fecha. Tal vez más por el hecho de que contó con una promoción de multinacional de “los buenos tiempos” más que por el hecho de que la calidad de los temas o la producción fuese superior a sus posteriores trabajos.

El gran finale, a la altura de la categoría del evento, vio como volvían todos los invitados a los que se sumó Marta García, con la que Rafa comparte otros proyectos musicales, haciendo que “Semillas de Paz” entre todos… otro clásico del primer disco que hizo las delicias de los incondicionales, quienes no necesitaron invitación alguna para hacer los coros en un momento emocionante de auténtica comunión entre banda y fans. No cabía ni un alfiler en un escenario lleno de músicos felices, entregados al momento, a la música y al público.

Lo que se hace evidente al escuchar a Rafa Martín y su banda desgranar en directo temas de hace 20 años, es la evolución musical del artista, y la calidad y compromiso de sus músicos quienes no tienen inconveniente en renunciar al confort que supone actuar con estrellas de la escena nacional, por compartir escenario con un músico independiente que no deja de evolucionar y de crecer.

Post original de Mayo 2014 en www.ociozine.com

El Set List en Spotify: Spotify Rafa Martin_Playlist

sábado, 17 de mayo de 2014

Entrevista a Rafa Martín

Entrevistamos a Rafa Martín, solista madrileño con sonido de banda de rock “AOR”. En su día fue llamado el “Brian Adams español”, pero este madrileño que se crió en el mismo barrio que “Los Nikis” y creció versionando a Hombres G con unos vecinos -bajo el nombre de “Los Giliñecos”- es mucho más que una voz rasgada.

Grabó dos discos con la banda Los Que Faltaban a principios de los 90, antes de lanzarse a su carrera en solitario, la cual le llevaría a grabar su primer disco Corazón de Hierro (Sony, 1995) en Italia con Pablo Pinilla de productor y los músicos de Harem Scarem como banda (por exigencia artística del propio Rafa). A pesar de tener una buena acogida, la compañía Sony no quiso grabar un segundo disco con él, dándole la carta de libertad.

Su segundo disco Cuando llegue a volar (Muxxic, 2000) fue una producción propia que distribuyó Gran Vía Musical. Grabado en Los Ángeles con músicos de primer nivel tales como como Vinnie Colaiuta, Mikhael Thomson, Michael Landau, Nell Stubenhaus, Tim Pearce o Kirk Bisquera entre otros, y con Humberto Gatica firmando la co-producción junto a Rafa, a insistencia del propio Gatica.

El disco de Rafa fue una de las primeras experiencias del ya difunto sello de Prisa, que no llegó a alcanzar los niveles de ventas de su primer trabajo con Sony. El disco fue re-editado por Warner en 2005, con una nueva canción La Pasión por Ganar que fue tema oficial de la Liga de Fútbol Profesional durante la temporada 05-06.

No fue hasta 2013, tras muchos años sin editar nuevo material, que Rafa volvió a darnos un nuevo trabajo de estudio. Esta vez grabado en Canadá y producido enteramente por el propio Rafa Martín, bajo el sello Sun Records y con la colaboración de los fans quienes ayudaron a financiar El Rastro que otros seguirán.

El próximo 10 de Mayo, Rafa Martín grabará un concierto en directo, en la Sala Arena de Madrid, para ser editado en formato DVD. Aprovechamos la ocasión para entrevistar al músico para ociozine.com

OZ: Por qué un DVD en directo?

RM: Siempre he tenido la idea de grabar un disco en directo. En su momento pensaba grabarlo en formato CD, pero finalmente nos hemos decantado por incorporar imagen y editarlo en DVD.

Creo que mis fuertes son la composición y el directo. Suelo acompañarme de muy buenos músicos. Me hubiera gustado haber grabado los dos conciertos que hicimos en Febrero de 2013 en Ritmo y compás para el lanzamiento del disco. Me dio muchísima rabia no tenerlo grabado en condiciones. El DVD es una apuesta, ya que lo estoy produciendo yo mismo. Supone un riesgo económico pero pienso que es un objetivo alcanzable.

OZ: Por qué ahora?

RM: Se pueden hacer tan pocas cosas en directo actualmente. Salir fuera de Madrid conlleva una serie de gastos de desplazamiento, alojamiento, etc...

Solo puedo tocar en Madrid porque nadie nos asegura un cache fijo que nos sirva para cubrir el coste de viajar a otras ciudades y ese riesgo no me lo puedo permitir. Este DVD es una forma de llegar a los fans de otras ciudades.

OZ: Cómo ves el estado de la industria musical?

RM: Cada vez hay más y mejores grupos españoles, aunque no tienen apoyo de medios ni de discográficas. Ya no hay ventas de discos. Por ello prácticamente no se graban discos a artistas o grupos nuevos. Por otra parte los medios convencionales y radio formulas ya no programan novedades como antiguamente. Ahora se radia sólo lo que son éxitos y hay espacio para muy pocas canciones nuevas.

En los últimos años hemos visto surgir a Pablo Alborán y dos o tres más… Excepciones muy contadas que han conseguido hacerse notar principalmente a través de redes sociales, de Youtube y de dar muchos conciertos acústicos…

Para hacer todo eso te lo tienes que poder permitir. Cuando tienes una edad y tienes obligaciones, no puedes dejar de trabajar los fines de semana para girar con tu guitarra como hacías antaño… En mi caso, por ejemplo, los fines de semana programo salas y hago sonido, así que no puedo dejar mi trabajo para sembrar…

OZ: Se puede vivir de la música?

RM: Creo que cada vez hay más oferta de directo. Al no vender discos, los artistas se ven obligados a echarse a la carretera. Lo que pasa es que al haber más competencia, las salas cada vez pagan menos.

Yo vivo de la música y por la música pero haciendo muchas cosas, diversificando… Programando en una sala, produciendo a otra gente, haciendo dos o tres producciones al año, impartiendo clases, etc… No gano dinero con mi música. Mi música me cuesta más dinero del que me da…

OZ: Qué podrá ver el público que asista al concierto? Qué pueden esperar?

RM: El Rafa Martin de siempre, pero con un poco más de calidad y arreglos más actuales. Con un concepto más moderno.

También cantaré un tema en inglés por primera vez. Y por supuesto habrá amigos invitados que aun no puedo confirmar.

OZ: Como has decidido el repertorio?

RM: Bueno, hay una limitación de tiempo por el horario de la sala. A las 11 hay que terminar para abrir a las 12 como discoteca, así que nos tenemos que ajustar al tiempo que tenemos. Haremos una selección de las canciones de los 3 discos que mejor funcionan en directo y que más gustan.

También hemos hecho una encuesta en Facebook para que los seguidores nos ayuden a confeccionar el set-list del concierto –y del DVD- con lo que esperamos que el repertorio sea el deseado por todos.

OZ: Como definirías tu carrera?

RM: He tenido una carrera muy satisfactoria en algunos aspectos. He llegado a grabar con grandísimos músicos y he tenido el reconocimiento de muchos de mis compañeros de profesión. Por otro lado he sufrido la impotencia ante el fracaso comercial, el no lograr las ventas suficientes para poder darle continuidad a mi carrera, cosa que me habría ayudado a crecer mucho más.

OZ: Y como es este momento de tu carrera?

RM: Es difícil seguir cuando esto no te da de comer y tienes que estar recurriendo a otros trabajos paralelos, dedicándole poco tiempo a esto. El no estar en un escenario o ensayando de forma constante con la banda, dificulta y ralentiza el proceso de composición y arreglo de temas nuevos, y hace más difícil el poder aprender más.

OZ: Rafa Martin es un solista, pero qué nos puedes decir de tu banda?

RM: El estilo que yo hago tiene más de banda que de solista. El no tener una banda estable dificulta trabajar nuevos temas, aunque por otra parte he tenido la suerte de contar siempre con buenos músicos, amigos míos en la mayoría de los casos, lo que me ayuda a tener un sonido de calidad en directo.

Además cuento con una banda muy asentada y estable: Pau (Álvarez, teclados) debe llevar 17 años conmigo, Ezequiel (Navas, batería) unos 12, Pablo Padilla (guitarra) y Manuel Bagües (bajo) llevan unos 10 años

OZ: Qué relación tienes con tus fans?

RM: La relación que tengo con los fans es la que tiene todo el mundo a través de redes sociales. En 2008 creé mi primer Myspace y después mi FB, y ahí me di cuenta de la repercusión que había tenido mi música. Sobre todo mi primer disco.

Las redes sociales te permiten tener contacto e interacción con la gente que te sigue. Al principio eran relaciones anónimas -salvo los 3 o 4 que me venían a ver a los conciertos- pero con el tiempo me ha permitido tener mayor relación y auténticas “conversaciones” (virtuales)… intercambiar fotos… y todas esas cosas que te permiten las RRSS.

Por otra parte, los fans me han permitido sacar el último disco, ya que hicieron una iniciativa en FB –antes de que conociéramos en España lo que era el crowdfunding- para conseguir financiación para terminar el cd.

La respuesta fue abrumadora, en dos meses conseguimos el dinero que hacía falta para terminar el CD, de hecho les tuve que decir no hacía falta más, que ya lo teníamos, porque la gente seguía aportando…

Gran parte del concierto de presentación fue dedicada a agradecer a toda esta gente que me había ayudado. A partir de ahí, la gente me pregunta que cuando vamos a hacer el siguiente disco, que están deseando participar.

La relación que tengo actualmente con mis fans es entrañable, y con muchos es una auténtica amistad.

OZ: Cómo fue la experiencia del crowdfunding?

RM: La música estaba grabada desde hacía 3 años (ahora 5), la iniciativa de apoyo fue para grabar las voces, masterizar y fabricar.

También hubo una parte del presupuesto que se empleó en la presentación. La participación en la financiación daba derecho a una copia en CD y dos entradas. Hubo gente que puso 35€ (el mínimo) pero hubo muchas aportaciones con cantidades muy superiores.

Parece que aunque la gente se descarga música “gratis”, a veces está dispuesta a poner dinero. Creo que no sólo se trata de que les guste tu música sino que también tiene que existir una conexión personal y se sientan identificados contigo y tu con ellos.

OZ: Cómo fue la presentación del disco?

RM: Para mi los dos días de la presentación fueron muy emotivos. Llevaba tanto tiempo intentando seguir en esto… Cuando yo me había caído y pensaba que no podría seguir porque me había quedado sin financiación, ver que la gente me ha levantado y me ha ayudado a que siga haciendo música, pues eso emociona a cualquiera!

Además en la presentación estuvo invitado Pete Lesperance de Harem Scarem (con quienes grabé mi primer disco en solitario). Llevamos trabajando muchos años en producciones, y nos hacía mucha ilusión subirnos a un escenario juntos. Era la primera vez que tocábamos juntos. Lamentablemente se casa dos días después del concierto y esta vez no podrá estar…

En cualquier caso vamos a intentar dar el mejor concierto de mi carrera para que quede un recuerdo para siempre.

Post original publicado en Mayo de 2014 en www.ociozine.com

The Amazing Spider-Man 2

The Amazing Spider Man 2 es una nueva entrega de las aventuras de Spider Man, que continua la línea argumental de The Amazing Spider man (Marc Webb 2012).

Los personajes y actores continúan la historia a partir del final de la anterior entrega, y –casi como si de una serie de TV se tratase- el nuevo filme vuelve a reunir a todo el equipo técnico-artístico de la primera entrega: Director, guionistas y actores repiten sus roles y retoman la historia.

En esta nueva entrega encontramos, por tanto, muchos de los mismos elementos de Amazing Spider Man: En el lado positivo, seguimos teniendo a una muy sólida pareja protagonista en Andrew Garfield y Emma Stone. Además de que la química entre ambos–pareja en la vida real- es evidente, y sirve para dar mayor solidez a la historia central entre los personajes de Peter Parker y Gwen Stacy.

Contamos también con la siempre sólida actuación de Sally Field en su papel de la Tía May, además de la llegada de otros excelentes actores como Paul Giamatti, jamie Foxx o Dane DeHaan.

Desgraciadamente, en la película encontramos demasiadas líneas argumentales que impiden desarrollar cada una como es debido… Demasiados personajes que acaban con una película un tanto larga de duración y en la que los actores no tienen espacio para justificar sus personajes adecuadamente, con lo que acabamos teniendo interpretaciones maniqueas que daría la impresión de haber quedado a medio cocinar…

Hay personajes que se antojan excesivamente bi-dimensionales, como es el caso de Electro o de El Duende Verde -a pesar de que se intuye la intención del director de darles una motivación y cualidades que los rediman de ser sencillamente “los malos”-.

Por el aspecto visual de la película intuimos las razones por las que Marc Webb fue un afamado director de videoclips (Green Day, No Doubt, 3 Doors Down…) antes de decantarse definitivamente por la realización cinematográfica. Además de haber dirigido la anterior entrega de Amazing Spider Man, uno de sus trabajos más reconocidos fue sin duda la comedia de 2010 500 días de verano.

Por su parte, el guión corre a cargo de Alex Kurtzman y Roberto Orci, equipo de guionistas responsables de la saga de Star Trek de JJ Abrahams (Star Trek, 2009 y Star Trek: into darkness, 2013,) de la saga de Transformers (Transformers, 2007 y Transformers: revenge of the fallen, 2009) o de Cowboys & Aliens (2011) entre otras… además de la primera entrega de Amazing de 2012. También se nota en cierta medida su pasado como guionistas de series tales como Alias, Fringe o incluso Hawaii Five-0…


Spiderman Reboot
Cuando Sony Pictures relanzó la saga de Spider Man con Amazing Spider Man (Marc Webb, 2012), hubo quien cuestionó la necesidad de un re-make de un título –y una saga- relativamente reciente. Tan sólo 10 años separaban la génesis del Hombre-Araña de Sam Raimi, de la versión de Marc Webb del origen del famoso “lanza-redes”.

Hay quien lo achaca a una pobre respuesta de público y taquilla de la tercera entrega, también hay quien lo relaciona con un creciente coste de las producciones de Raimi, o incluso con el hecho de que el elenco protagonista se estaba haciendo mayor.

Sea como fuere, no cabe duda de que las franquicias de Super héroes en general -y las de Marvel en particular- se han convertido en un filón para los estudios de cine en esta época de crisis. A la recaudación de las salas de cine, se une una alta rentabilidad de la explotación de venta, alquiler y pases por las distintas ventanas de explotación... El público general acaba viéndola en una fase u otra de la vida del filme, y los fans en la mayoría de los casos acaban repitiendo.

Si a esto añadimos el merchandising -toda la parafernalia de objetos, prendas de vestir, juguetes, etc... - que acompaña a una película de súper héroes, no es de extrañar que el estudio que ostenta los derechos de explotación de Spider man decidiese relanzar la saga del que es sin duda uno de los personajes más populares del mundo del cómic tan sólo 5 años después de la tercera entrega de la anterior saga.

Andrew Garfield le da a Peter Parker una dimensión de quinceañero atormentado bajo el peso de la culpa y de la responsabilidad, lo cual es una parte integral del personaje. Con la nueva saga de Marc Webb, contamos además con excelentes actores como Sally Field, Dennis Leary, Martin Sheen o Emma Stone.

Visualmente, las escenas de acción se acercan más al aspecto visual del Spider Man de Todd McFarlane, con las posturas imposibles y las angulaciones del plano que caracterizaron un comic de autor que creó escuela.

El uso de la animación por ordenador (CGI) le da a la acción un ritmo imposible de lograr con otro tipo de efectos, al tiempo que apela a la generación de gamers que sin duda apreciarán los gráficos que podrán disfrutar en sus consolas tan pronto como salgan de la sala de cine.

Post original publicado en Abril de 2014 en www.ociozine.com

Capitán América: El Soldado de Invierno

El que vaya a ver la última entrega de la factoría Marvel, con la idea de ver una película de súper héroes, acertará… ¡a medias! Y es que es ¡mucho más que eso!



La nueva entrega del Primer Vengador, Capitán América: El Soldado de Invierno (Anthony y Joe Russo, 2014) lo tiene todo: Acción trepidante, peleas espectaculares, persecuciones de vértigo, escenas más propias del cine de James Bond –cortesía de Nick Furia y la Viuda Negra-, humor, mucho humor… y hasta un guiño para l@s más romántic@s: el Capi se da su primer morreo en 70 años! (no decimos con quien , pero no es la más fea de la peli, precisamente…)

Hay algo para todos los públicos: Para las damas tenemos al híper-musculado Chris Evans encabezando un reparto que un nutrido grupo de actores que podrían ser portada de Mens Health: Sebastian Stan (Captain America: The First Avenger, 2011), Dominic Cooper (Need for Speed, 2014) , Frank Grillo (Gangster Squad, 2013) , Callan Mulvey (300, The Rise of an Empire, 2014), Anthony Mackie (Pain & Gain, 2013)…

Para los caballeros tenemos a la incomparable Scarlett Johansson enfundada en uno de los trajes que mejor le ha sentado en toda su carrera, a la adorable Cobie Smulders (la Agente Hill, alias Robin Scherbatsky de Cómo Conocí a Vuestra Madre) y a la no-menos-adorable Emily VanCamp (Conocida por series como Revenge o Everwood) que hace su primera aparición en la Saga, aunque seguramente no será la última.

Por supuesto, para los amantes del buen cine, aparte de la talentosa y ya mencionada Scarlett Johansson, tenemos al siempre destacable Samuel L. Jackson y la actuación estelar de Robert Redford, quien da credibilidad y encanto a un personaje que no hubiera pasado de ser un cliché en manos de un intérprete de menor talento.

Por su parte, no faltan los guiños a los aficionados a los comics de Marvel de toda la vida: Además de la aparición de El Halcón, y del propio Soldado de Invierno, que da nombre al “episodio” de la saga, nos encontramos con viejos conocidos como Bactroc o la Agente Sharon Carter. Por no hacer spoilers a los “legos”, diremos que son personajes importantes en la biografía del Capitán y de Steve Rogers. (Los fans ya conocen las historias, así que no vamos a explicarles nada…)

Para la dirección de esta segunda entrega, el estudio ha confiado en los, relativamente desconocidos, hermanos Anthony y Joe Russo. Si bien han dirigido algunos filmes -el más conocido seguramente la comedia You, Me and Dupree (2006)- el grueso de su obra se compone de series de TV tales como como Community o Animal Practice, que si bien aun no triunfan en nuestro país, son de auténtico culto en EEUU (y en internet).

Para el guión repite la dupla de Christopher Marcus y Stephen McFeely, equipo que ya fuese responsable de Captain America: The First Avenger (Joe Johnston, 2011), así como otros filmes tales como Thor: The Dark World (Alan Taylor, 2013), Dolor y Dinero (Michael Bay, 2013) y la saga de Narnia.

El guión se ha basado a su vez en una historia de Ed Brubaker, habitual escritor de la serie de animación de Batman (Varios, 2009) y de Angel of Death (Paul Etheredge, 2009). La historia retoma al personaje de El Capitán América/Steve Rogers tras los eventos acaecidos en Los Vengadores (Joss Whedon, 2012) y nos muestra a un héroe que no encuentra su lugar en un mundo al que aun no se acostumbra, y a un hombre fuera de su época, intentando adaptarse y ponerse al día tras los 70 años que se ha perdido.

Lo principal que se puede decir de Soldado de Invierno, es que es una buena película! No sólo entretiene, sino que se atreve a plantear cuestiones espinosas de la política americana. Sin ser una película netamente política, si se atreve a polemizar: El Capitán representa los ideales de los EEUU. Cuando lo convirtieron en el “espécimen perfecto de humano” se supone que también potenciaron su capacidad intelectual, pero los valores e integridad eran los de Steve Rogers, y fue precisamente por su carácter por lo que fue elegido para ser el primero en tomar el suero del “súper-soldado”. El Capitán América es un símbolo nada sutil (lleva un uniforme que es la bandera americana) y encarna el ideal americano de una era dorada anterior a la pérdida de inocencia que supusieron los años 60 en EEUU.

Si bien el Capitán América fue creado para combatir a enemigos foráneos (tanto el personaje como el comic fueron creados para combatir a los Nazis) en esta nueva entrega le vemos enfrentado a facciones dentro de su propio gobierno, un enemigo interno que pervierte lo que debe ser la defensa del país, para sus propios intereses de poder. (¿A alguien le suena esto de algo?)

Por supuesto, como no podría ser de otra forma, al final el Capitán salva al mundo y los malos resultan ser súper villanos de ficción (esto no es un spoiler. Es una súper producción americana… ¿Alguien esperaba lo contrario?), pero el caso es que la trama nos hace una velada crítica a lo que supone traspasar la línea entre proteger a la ciudadanía, y pretender controlarla. “Esto no es libertad, es miedo” Dice el Capitán. No se menciona nada al respecto, pero intuimos que seguramente el Capitán América sería fan de Edward Snowden…

Como siempre ocurre con las películas de Marvel, hay que estar atentos al cameo de Stan Lee y a las perlas que nos incluyen siempre en los títulos de crédito. En este caso han incluido dos, así que hay que quedarse hasta que empiecen a recoger la sala… El segundo, por cierto, dirigido por Joss Whedon, es casi un Teaser de la próxima entrega de Los Vengadores…

Post original publicada en Marzo 2014 en www.ociozine.com

lunes, 17 de febrero de 2014

Robocop Reboot

Asistí al pase de prensa de Robocop (2014) con toda la intención de hacer mi primera crítica dura… Es cierto que me suelen encargar películas que me van bastante, y este caso no era una excepción, pero para mi la versión de 1987 (me resisto a hablar de clásico, que me hace sentir mayor) era tan irrepetible, que no pensaba que nada que viera pudiese hacerme olvidar el filme de Paul Verhoeven.

El director brasileño José Padilha, célebre por sus grandes éxitos Tropa de Elite (2007) y Tropa de Elite 2 (2010), hace su primera incursión en el cine americano con esta super-producción. Los efectos especiales y las escenas de acción son mucho más espectaculares que en la primera versión–casi un video juego en muchas escenas-. No en vano el presupuesto de Robocop Reeboot es casi 10 veces el de la original.

A pesar de contar con un equipo casi enteramente americano, Padilha se acompaña de sus compatriotas Lula Carvalho (Director de Fotografía), Daniel Rezende (Montador) y Pedro Brofman (Compositor), quienes ya fueran colaboradores suyos en la saga de Tropa de Elite.

Los títulos de crédito finales con el tema de The Clash “I fought the law” es toda una firma a pie de lienzo por parte de Padilha, quien ha sido capaz de introducir su punto de vista particular a esta nueva Robocop.

Hay que decir que si bien la original era transgresora y hacía alarde de un sentido del humor negro que suponía una fina crítica social, la versión del guionista debutante Joshua Zetumer, no se queda atrás, aunque sustituye la crítica social por una crítica política de la que no se libra la prensa más reaccionaria.

Se mantiene la crítica a la gran empresa, personalizada en el caricaturesco acrónimo Omnicorp, aunque sustituye la lucha interna entre yuppies de los 80, por la figura del líder carismático y manipulador que se apoya en el talento de los demás, flanqueado por sus fieles acólitos en la figura de los directores del área legal y de marketing, cuyo único objetivo es plegar la realidad a los objetivos de la empresa.

Punto y aparte es la brutal caricatura que hace Samuel L. Jackson de la figura del periodista-estrella Pat Novak, con complejo de mesías que se hace mucho más caricaturesco por el compromiso del actor, quien no hace ninguna concesión al humor al interpretarlo con total convicción e intención de realismo. Y es precisamente esta entrega lo que lo hace mucho más esperpéntico.

La cinta empieza y acaba con sendos discursos ultra derechistas y ultra patrióticos, que son una nada-velada crítica a la política exterior americana y a la derecha reaccionaria del país de las barras y estrellas, quienes siempre se arrogan los símbolos patrios y los valores nacionalistas para apropiarse de la verdad y la razón, tildando de enemigos de lo patrio a todo el que discrepe con ellos en cualquier tema de debate… (¿a nadie le suena algún ejemplo más local?)


El protagonista Joel Kinnaman, es aun poco conocido en nuestro país, aunque en EEUU ha visto crecer su popularidad a raíz de la serie The Killing, si bien había participado ya en súper producciones como Easy Money (2013), o en La chica del Tatuaje de Dragon (2011) (versión americana de los hombres que no amaban a las mujeres).

Kinnaman hace una interpretación adecuada de Alex Murphy… La pena es que lo mejor que tiene este joven –su cuerpazo de modelo de ropa interior de Calvin Klein- lo pierde en la primera parte de la película (no es un spoiler si se trata de un remake…), pero en la primera parte las espectadoras (y los espectadores que gusten de cuerpos varoniles) podrán disfrutar de más de una toma en la que la cámara se centra más en él que en la bella y sexy actriz que interpreta a su mujer…

Abbie Cornish, una Australiana relativamente desconocida hasta el momento, es una sorpresa muy positiva al dar a Clara Murphy un encanto y una fuerza que en el original de 1987 ni siquiera se exploró… Esta chica tiene algo especial y sus ojazos llorosos llenan la pantalla cada vez que aparece. Habrá que seguir su carrera porque tiene potencial de ser la próxima Charlize Theron… Al tiempo…

A nadie sorprenderá, que las mejores intepretaciones de Robocop Reeboot sean las de sus secundarios de lujo, el ya mencionado Samuel L. Jackson, cuyo pequeño papel es tremendamente memorable, un Michael Keaton que da encanto y credibilidad a un personaje que debería resultar completamente deleznable, y un enorme Gary Oldman que aporta un enorme rango de matices al personaje más complejo de la cinta.

La dualidad entre maquina y hombre, pesa mucho más sobre el personaje del Dr. Dennet Norton, que interpreta Oldman, en su debate interno entre el bien mayor y las cuestiones éticas y morales que la ciencia debe considerar, que sobre el propio Agente Murphy/Robocop, quien personifica la lucha interna entre hombre y máquina.

Al inicio de la historia el doctor Norton comprueba como un músico puede volver a tocar la guitarra con sus manos prostéticas, pero cuando sus sentimientos alteran la química de su cerebro e interfieren con el funcionamiento de sus prótesis robóticas el médico le indica que sencillamente debe controlar sus emociones… “Pero necesito mis emociones para tocar” responde el músico… La conclusión es que lo humano debe primar sobre la tecnología, un tema nada ajeno a los tiempos que vivimos…

Lo dicho, pensaba hacer mi primera crítica dura, pero la verdad es que la revisión de Robocop me ha sorprendido positivamente, y sospecho que no defraudará a los fans de la versión de Verhoeven, al tiempo que captará a una nueva generación de fans que correrán desde la sala de cine hasta su tienda de Hobby mas cercana para comprar el videojuego.

Post original del 14 de Febrero en ociozine.com